„14057 Berlin-Charlottenburg“ ist der Zusammenschluss der Galerien, Projekträume und Ateliers im Kiez zwischen Lietzensee und Amtsgerichtsplatz. Jeder Ort hat sein eigenes Programm und seine eigene Handschrift. Gemeinsam ist ihnen die Postleitzahl und der Wunsch, die Kunst in der Nachbarschaft sichtbarer zu machen.

Kunst bis Mitternacht ist der Abend, den sie dafür gemeinsam ausrichten: Am Freitag, 20. November 2026, sind alle Türen von 18 bis 24 Uhr offen – mit Malerei, Grafik, Skulptur, Klang, Lesungen und Musik, zu Fuß von Tür zu Tür. Der Rundgang beginnt an der Anlaufstelle, der ParkSide Gallery in der Dernburgstraße.

In der GALERIE 15 ist an diesem Abend „Der Philosoph“ von Volkmar Förster zu sehen, mit einer Signierstunde zum gleichnamigen Buch.

Im Mittelpunkt der Ausstellung „Der Philosoph“ stehen die Originalarbeiten von Volkmar Förster: 28 Zeichnungen und zehn farbige Acrylarbeiten, entstanden als eigenständige bildnerische Reaktionen auf 38 gereimte Texte von Armin Gröpler. Förster Bilder erzählen, verdichten und verwandeln die literarischen Motive und eröffnen eigene Räume, Figuren und Situationen – mal komisch, mal abgründig, mal leise und nachdenklich.

Die Texte von Armin Gröpler sind Ausgangspunkt und Gegenüber der Bilder. In jeweils sechs gereimten Zeilen entwirft Gröpler die ironisch-skurrile, fiktive Biografie eines Geistesarbeiters, der mit den großen Fragen des Lebens ebenso ringt wie mit seinen alltäglichen Widrigkeiten – pointiert, mit trockenem Humor und bis hin zur lakonischen Schlussbilanz: „Sein Leben war durchaus verpatzt.“

Förster illustriert diese Verse nicht im herkömmlichen Sinn. Seine Arbeiten stehen den Texten als selbstständige künstlerische Position gegenüber. Aus Worten werden Bilder, aus Pointen werden Szenen, aus Gedanken entstehen neue Assoziationen.

Im gleichnamigen Buch „Der Philosoph“ begegnen sich Bild und Text schließlich auf Augenhöhe. Die Ausstellung kehrt diesen Dialog bewusst um: Sie gibt zunächst den Originalbildern den Raum und lässt die Texte begleitend mitschwingen. So wird sichtbar, wie aus einer literarischen Idee eine bildnerische Welt entsteht – und wie beide im Buch wieder zu einem Ganzen zusammenfinden.

„Mathematisch gesehen könnte man sagen, dass das Enträtselungsvermögen die Umkehrfunktion des Träumens sei. Es entpackt bei Tag, was im Schlaf verdichtet wurde, und verschiebt es mit umgekehrtem Vorzeichen. Doch anders als eine mathematische Umkehrfunktion, ist das Enträtselungsvermögen nicht eindeutig. Es bleibt im Vermuten, Versuchen und Tasten. Und was dabei herauskommt ist Teil des Tageserlebens und kann somit im nächsten Schlaf wieder mit anderen Teilen des Gedächtnisses neu verrätselt werden.“ (Aus dem Text zur Ausstellung von Oliver Arendt.)

Vier jüngere Künstler:innen aus Berlin, die in ihrer Arbeit um die Nachtseite des Lebens kreisen und dabei auch den Tagträumen Raum lassen. Kunstwerke zum Nachsinnen, Nachdenken, Nachträumen.

Oliver Arendt zeichnet, schreibt, sammelt, sortiert, baut und programmiert. Dabei entstehen wesenhafte Artefakte, die meist einen mathematisch-technischen Ursprung haben, aber auch wesenhafte Züge annehmen. Sie bilden den gedanklichen Raum, der in der künstlerischen Arbeit ganz subjektiv durchmessen wird.

Tabea Ćubelić untersucht Träume, Erinnerungen und die Rätsel der Herkunft. Ihre Zeichnungen und Objekte reflektieren und verkörpern zugleich die gedanklichen und stofflichen Funde, die sie dabei macht.

Fritz Poppenberg malt und zeichnet. Dabei ist er der Geschichte der Malerei und, in dieser Ausstellung, auch der des klassischen Comics verpflichtet. Er verhandelt in seiner Arbeit die Zeit von der Kindheit und Jugend bis zum Erwachsenwerden; den romantischen Kunstbegriff und seine Konventionen; und die Melancholie der uns schon verlorenen Zeit.

Julia Werhahn beschäftigen kollektive Ängste und Sehnsüchte. In ihrer Arbeit erforscht sie die Fragilität innerer Strukturen, die das Gefühl eines bröckelnden Daseins in sich tragen. Transparente Reliefs und Skulpturen, in denen komplexe Gefühle wie Vertrauen, Skepsis oder eine allumfassende Ohnmacht eingearbeitet sind, bilden den Schwerpunkt ihrer Arbeit.

Teil der Reihe Invitation der Michael Thomas Schröder Stiftung in der Galerie 15.

Die Stadt ist kein eindeutiger Ort. Sie ist Versprechen und Zumutung, Begegnung und Isolation, Ordnung und Bruch zugleich. Seit Jahrzehnten setzen sich Künstler mit diesem Spannungsraum auseinander – nicht, um ihn aufzulösen, sondern um seine Widersprüche sichtbar zu machen.

Auch die in dieser Ausstellung versammelten Positionen zeigen keine einheitliche Sicht auf das Urbane. Vielmehr entfalten sie unterschiedliche, teils gegensätzliche Perspektiven: Die Stadt erscheint als strukturierter Raum und als fragiles Gefüge, als Ort kollektiver Erfahrung und individueller Verlorenheit, als Motor von Veränderung und als Schauplatz von Stillstand.

Gerade in dieser Uneindeutigkeit liegt ihre künstlerische Kraft. Die Stadt entzieht sich einfachen Deutungen – und fordert immer neue Bilder, neue Annäherungen, neue Fragen heraus.

Die Ausstellung versteht sich als offenes Feld dieser Auseinandersetzung. Sie lädt dazu ein, die Stadt nicht festzuschreiben, sondern sie in ihrer Vielschichtigkeit und Widersprüchlichkeit neu zu sehen.

VOLKER KAMINSKI , geboren in Karlsruhe, studierte Germanistik und Philosophie in Freiburg und Berlin, wo er als freier Schriftsteller lebt. Neben Kurzgeschichten und Kolumnen (Berliner Zeitung) und Rezensionen veröffentlichte er zahlreiche Romane (z.B. „Rot wie Schnee“, „Auf Probe“, „Der Gestrandete“). Bei PalmArtPress erschienen bisher „Herzhand“ (2021), „RUA 17“ (2023) und „Die letzte Prüfung“ (2024, überarbeitete Neuauflage). Seit 2014 ist er Lehrbeauftragter an der Alice Salomon Hochschule in Berlin und unterrichtet dort in einem Masterstudiengang Creative Writing. Er erhielt mehrere Stipendien, u.a. das Alfred Döblin-Stipendium, das Stipendium der Kunststiftung Baden-Württemberg und das Stipendium Künstlerhaus Edenkoben.

In der Galerie15 liest der Berliner Autor aus seinem neuen Roman „SCHÖNES leben“, begleitet von Karl Wunsch am Saxophon.

Beschreibung des Romans:

Der 16-jährige Viktor hat es nicht leicht. Um den heftigen Streitereien seiner Eltern zu entfliehen, schafft er sich eine eigene Welt des Schönen und entwickelt eine Leidenschaft fürs Malen. Nach dem Auszug von Mutter und Schwestern, bleibt er mit dem Vater zurück, der den Schmerz über den geplatzten Traum Großfamilie mit Alkohol betäubt. Viktor wird an der Kunstakademie angenommen, muss sich aber gegen die Angriffe des Vaters zur Wehr setzen, der Viktors Berufswunsch ablehnt. Im Kampf um Anerkennung, zwischen Verständnis und Hass schwankend, entwickelt sich Viktor zu einem eigenwilligen Maler, unterstützt von seinem Professor sowie dem Aktmodell Irm. In den Kneipengesprächen der Kunststudenten spiegelt sich der Zeitgeist der achtziger Jahre.

www.volkerkaminski.wordpress.com

Eine Querschnitts-Ausstellung der Sammlung mit Werken von neun Künstler:innen der Stiftung, gezeigt in der GALERIE15 bis zum 17. Mai 2026.

Die in Berlin lebende, französische Künstlerin Anne Dérian präsentiert in ihrer Einzelausstellung „ Inmost / Almost “ zwei kontrastierende Seiten ihres künstlerischen Schaffens. Beide Galerieräume werden dabei genutzt, um unterschiedliche Zugänge zu Material, Form und Prozess erfahrbar zu machen.

Der erste Raum, „ Inmost “, lädt zur stillen Betrachtung ein. In meditativer Atmosphäre entstehen Arbeiten, die – inspiriert von Mandalas – zur inneren Einkehr und kontemplativen Wahrnehmung führen. Hier geht es um eine sinnliche Erfahrung von Kunst jenseits der Sprache. „ Almost“ , im zweiten Raum, zeigt eine energiegeladene, fragmentierte Ästhetik. Der Titel spielt augenzwinkernd auf den Satz „Almost finished“ an und verweist auf die präzise, aber zeitintensive Herangehensweise der Künstlerin. Oberflächenzerlegung, Materialität und farblich induzierte Emotionen stehen hier im Fokus. Während der Ausstellungsdauer wird Anne Dérian den Raum zugleich als Atelier nutzen – der kreative Prozess wird damit Teil der Ausstellung und für Besucher*innen live erlebbar.

Anne Dérian lebt und arbeitet in Berlin. Nach mehreren Jahren als Architektin wandte sie sich der bildenden Kunst zu. Ihre Arbeiten – von Zeichnungen bis hin zu skulpturalen Objekten – verbinden ihre architektonische Prägung mit einer tief persönlichen, intuitiven Herangehensweise. Geometrie, modulare Strukturen, das Spiel mit Licht und Schatten sowie ein sensibles Gespür für Farbe und Material kennzeichnen ihre Werke.

Volkmar Förster mit einigen Gedanken zur Ausstellung

Weshalb malt ein Atheist Bilder zur Bibel?

Nicht getauft, nicht konfirmiert, in der ehemaligen DDR sozialisiert gab es bei mir wenig Berührungspunkte zum Christentum. Die Entscheidung als 14-jähriger ob nun Jugendweihe oder Konfirmation, ein Problem, welches viele Eltern meiner Freunde hatten, gab es nicht. Erst spät, im Studium las ich das großartige Romanwerk „Joseph und seine Brüder“ von Thomas Mann, diese Lektüre wirkt bis heute nach. Es war meine allererste Begegnung mit der christlichen Mythologie überhaupt. In meiner Bühnenbild Diplomarbeit „Urfaust“ wird die „Gretchenfrage“ gestellt: „Nun sag mir wie hast du`s mit Religion? Ich glaub du bist ein herzlich guter Mann, allein ich glaub du hältst nicht viel davon“ .

Der Glaube spielt beim einfachen Volk eine ganz wesentliche Rolle, es ist der Grundpfeiler der sittlich moralischen Verhaltensweise insgesamt. Karl Marx schreibt 1848: „Religion ist Opium des Volkes“. Lenin macht daraus: Religion ist Opium für das Volk“. Diese Religionskritische Haltung prägte die Bildungspolitik der DDR. Die Kirche mit den beiden Konfessionen existierte zwar, eher geduldet, als erwünscht. Es war eine Randerscheinung des gesellschaftlichen Lebens.

Wenn ich meine Entwicklung als bildender Künstler beschreiben sollte so begann ich als Landschaftsmaler. Bei der Arbeit direkt vor der Natur, beim Sitzen vor dem Motiv, entstand ganz oft ein Gefühl, eine Ehrfurcht vor der Großartigkeit der Schöpfung. Der Pantheismus, auch im goetheschen Sinne, ist mir sehr nahe. „Gott ist die Natur“ , als religiöses Gefühl der Bewunderung. Nach der Auseinandersetzung mit der menschlichen Figur, Aktzeichnen ist die Voraussetzung, wagte ich mich an mythologische Themen. Im Jahre 2000 „Ikarus“ in der Kunstwandelhalle Bad Elster, dann folgten viele Arbeiten, Performancen und Ausstellungen zur Nibelungensage.

Der Garten, sozusagen das Miniformat der Natur stand schon immer im Fokus meiner Bemühungen.

Die meisten meiner großen Kollegen haben am Ende ihres Lebens ihre Gärten gemalt. So tat ich ebenfalls. 2002 porträtierte ich unseren Garten rund ums Haus. Es entstanden 12 kleinformatige Ölbilder, Zeichnungen Farb- und Schwarz-Weiß-Holzschnitte. Daraus entwickelte sich die Idee unseren Garten mit Adam und Eva zu bevölkern. Folgerichtig stieß ich auf das Alte Testament. Erstmalig las ich die originalen Texte der Genesis, die mich sofort faszinierten. Es gibt keinen schöneren Satz als: „Es werde Licht“

Dem ersten Bild dieses Titels folgten 19 weitere in einer dramaturgischen Abfolge von: Die Erschaffung der Welt, der Fall des Menschen und endet mit der Geburt und Kreuzigung von Christus, also mit dem Neuen Testament. Unzählige bildende Künstler haben in der Vergangenheit bis heute großartige Kunstwerke zu diesen Themen geschaffen. Eine große Herausforderung für mich allemal.

Während der Arbeit ergaben sich die Fragen über die Sinnhaftigkeit des Projekts. Welche Bedeutung hatte der christliche Mythos für die Entwicklung der Menschheit? Sind die Lehren Christi für unsere Gegenwart noch relevant?

Das Konzept der Gleichheit vor dem Gesetz, ein Grundprinzip westlicher Rechtsprinzipien, dazu zählen die Abschaffung der Sklaverei, die Entwicklung von Arbeitnehmerrechten, die Einrichtung von Sozialsystemen sie alle tragen den Abdruck der Lehren Christi über Menschenwürde und sozialer Gerechtigkeit. In der Charta der Vereinten Nationen ist das Völkerrecht festgeschrieben, die mit den Lehren Jesu übereinstimmen. Festzustellen ist, dass diese grundlegenden Menschenrechte immer wieder, bis heute gebrochen werden.

Beim Malen der Bilder war ich mir dieser Problematik bewusst und habe versucht in Form und Inhalt neue Wege zu gehen.

Ismael Duá hat sich einem Format verschrieben. Seit 2006 arbeitet der in Berlin lebende und schaffende Künstler ausschließlich im Format DIN A4. Bis zu diesem einheitlichen Standard, der am 18. August 1922 veröffentlicht wurde, war es allerdings ein langer Weg.

Für Duá war es eine Entscheidung und heute ist die Norm für ihn gleichzeitig Sujet und Forschungswerkzeug – nicht nur auf Papier.

Von Studien in multiplen Materialien hat sich sein Werk in den letzten Jahren um einen Kern aus Malerei gewickelt. Mit der einheitlichen Begrenzung auf kleinstem Raum wird eine Erforschung von Mustern, Haltungen und Gewichtung möglich. In der Tiefe ist das einzelne Bild – durch den ebenbürtigen Platz im Gesamtwerk – frei.

„Alles in der Welt“ interessiert Ismael Duá, der erst in Wales internationale Politik studierte, anschließend in München Freie Kunst. Bei Professor Andreas von Weizsäcker entdeckte er die Vorliebe zu kleinen Formaten, bei Professorin Magdalena Jetelová den kompromissfreien Blick für das Ganze – und dank Professor Jean-Marc Bustamante fand er zur Malerei zurück.

Ismael Duá ist 1981 in Berlin geboren, seine zweite Heimat ist Conakry, Guinea. Er lebt heute in Neukölln, wo er neben seiner künstlerischen Tätigkeit ein kleines Lokal betreibt. Dort, am Karl-Marx-Platz, hat er zehn Jahre lang das Projekt „KAPi TAL“ kuratiert – ein Format, das sich auf Künstler:innengespräche spezialisierte.

Die Titelwahl „Stadt, Land, Kunst!“ spiegelt den Themenreichtum und das umfassende Werk des in Berlin lebenden und schaffenden Künstlers Werner Brunner wider. Und so vielseitig wie sein Werk, ist auch seine Vita: 1941 in München geboren, gelernter Schmied aus Oberammergau, Flugzeugmechaniker, tätig als Architekt und in der archäologischen Bauforschung. Schon vor dem Beruf als Schmied waren Kunst, Architektur und Archäologie die Wunschberufe für Werner Brunner. Allerdings konnte er sich dann nach Architekturstudium und Architektenzeit mit der Architektur der 1960/70er Jahre nicht identifizieren und öffnete sich in Richtung Kunst. Im Berlin des Jahres 1977, mit der Gründung der „Künstlergruppe Ratgeb“ (Erinnerung an Jörg Ratgeb, der ein Zeitgenosse Albrecht Dürers war), wurde Werner Brunner zum Berufskünstler. Neben der Atelierarbeit war bald der große Erfolg der Gruppe die Wandmalerei, der sich Brunner auch als Autor und Publizist widmet.

Gleichzeitig entwickelten sich im Atelier bald noch weitere Bildthemen für Brunner wie Architektur in Stadt und Land sowie Raum und Ornamente , die Nachkriegszeit oder Arche und Atlas .

Brunners Vita und seine berufliche Herkunft bestimmen sein Werk. Er untersucht immer wieder das Spannungsfeld zwischen dem Menschen und seiner Lebenswelt und findet so seinen gestalterischen Ausdruck. Er verwendet Zeitungsmeldungen, Fotografien, statistische Diagramme und Zitate, montiert und übermalt sein Material, lässt es im großen malerischen Ausdruck verschwinden oder ironisch (selten auch böse) aufblitzen oder durchschimmern.

Eine Auswahl von Brunners Bildern und Collagen mit dem inhaltlichen Schwerpunkt Stadt, Land und Architektur werden nun vom 19. Juni bis 3. August in der Galerie 15 in Charlottenburg zu sehen sein.

Werke von Werner Steinbrecher, geboren 1946 im niedersächsischen Visbek und aufgewachsen in Düsseldorf, sind nun endlich wieder in Berlin zu sehen. 15 Jahre verbrachte er im ehemaligen Westteil der Stadt – malend, zeichnend, denkend, hinterfragend – bevor er 1989 nach Allenbostel nahe Uelzen aufs Land zog, auf der Suche nach Ruhe, Meditation und einer Auszeit. Er studierte zunächst Architektur in Aachen und später Kunst an den Kunsthochschulen in Nürnberg und Berlin und war als Dozent unter anderem an der Uni Lüneburg tätig. Seine Werke wurden zeitlebens in zahlreichen Ausstellungen gezeigt, viele der Werke sind heute noch in öffentlichen Bereichen und Museen wie z.B. der Berlinischen Galerie sichtbar. 2008 ist Werner Steinbrecher viel zu früh in Bardowick verstorben.

Ob im Studium an der HdK Berlin, im Atelier bei der künstlerischen Arbeit, in Freundschaften und Gesprächen – Werner Steinbrecher suchte nach Tiefe und Sinn. Trotz der beeindruckenden Themenvielfalt in seinen Werken, kratzt er nie nur an der Oberfläche. Inhaltlich sowie technisch legte er zeitlebens eine enorme Akribie an den Tag. Er war ein begnadeter Künstler, der stets in seiner Kunst das eigene Ich, seine Umwelt und die Wirkung von Kunst auf Gesellschaft und andere Menschen hinterfragte.

Dabei reagierte Werner Steinbrecher in seinen zunächst großformatigen Ölbildern auf die Entwicklung der gesellschaftlichen und politischen Situation der 1960er bis 1980er Jahre: Vietnamkrieg, die Studentenrevolution, die Rote Armee Fraktion (RAF) und der „Deutsche Herbst“ sowie der beginnende Umweltaktivismus und Feminismus.

Pedro Reis de Mendonça eröffnete die Reihe #INVITATION im September 2024 mit seiner Ausstellung „Zwischen Licht und Struktur“. Wie das Flirren von Baumkronen oder Wasseroberflächen durch Licht und Wind bauen sich seine Bilder Schicht für Schicht auf. Mit kleinen, sich wiederholenden Gesten, die an Musik erinnern, setzt der in Rio de Janeiro geborene & in Berlin lebende und arbeitende Künstler die Farben ein, die er direkt aus der Tube nimmt. Der Verzicht auf das Mischen der Ölfarben hat für ihn den Reiz einer dauerhaft verlässlichen Farbpalette, deren Bestandteile zudem ihre Klarheit und Leuchtkraft behalten.

Mit jeder Schicht, die aus vielen Setzungen besteht, nähert sich Reis de Mendonça einer Komposition, die in sich Halt findet. Mal großformatig auf Leinwand, mal kleinformatig auf Holzfaserplatte – beides mit eigener Ästhetik. Die Holzfaserplatten bieten neben dem Widerstand des Malgrundes auch die Möglichkeit, freiere Formate entstehen zu lassen. Diesen MdF-Formen fügt er nicht nur Farbe hinzu, sondern nimmt sie auch wieder ab, indem er mit einem Dremel Linien, Strukturen und Muster hineinarbeitet. Die so entstandenen Platten, die sich auch für Hochdrucktechniken eignen, haben ihn zur Grafik geführt. Da er ohne Presse druckt, entstehen Drucke auf zartem Papier.